1. Trabajo Profesionalizado Por Grupos (5 de diciembre) 45%

una tutoria o dos obligatorias que forman parte de nota, se lleva las referencias y ofreces un resumen con el enfoque del trabajo. se envia en pdf y es 45 % de la nota.
y esto para que o que ?
para dar a una futura propuesta profesional realizada por una institucion y por eso en grupo porque estos trabajos de historiadores es en grupo y bueno esto potencia y problematica.

La propuesta se desarrola segun puntos del indice y no de movimientos o artistas tipo no puede tratar de andy warhol sino de las reacciones a la consolidacion de la sociedad de consumo de masas y como afecta a la practica artistica (tipo porque en ese contexto andy warhol se volvio conocido, fue entre contexto, proyecto y el hable o el carisma de este cabron y su forma de vender).

por lo tanto la PROPUESTA es CONCEPTOS DE CLASE MOVIENDOSE AL TEMA ELEGIDO + USAR CONCEPTOSBASICOS DE LA BIBLIOGRAFIA.
antes debe investigar EJES CONCEPTUALES que te Estimulan??? (tipo que nos mueve en el contexto o que me mueve o que mueve sociedad o nose pero despierta algo).

despues vemos un poco el ambiente profesional y tipo buscar, buscar propuestas similares, y SOBRETODO la realidad de esta. PROPUESTA REALISTA Y FACTIBLE (osea que no cabe en que tengo que invitar a cierto artista famoso teniendo 0 guita o hacer un acto de comunion imposible).

Grupo de 3 a 4 Personas
y solo SE PUEDE DESARROLAR UNA SOLA DE LAS OPCIONES.

1. Informe de una Exposicion sobre uno o mas puntos del indice (CURADOR)
   • Trabajo de Caracter critico
   • al menos 10 referentes bibliograficos
     • no solo se ponen al final del texto sino uqe se mencionan a lo largo del texto
   • se recopila puntualemnte a traves de citas y notas en las paginas
   • LA PROPUESTA DE ESTRUCTURA DEL DOSSIER
     • 1. Descripcion del proyecto (cual es el objetivo)
       • que vision historica, innovadora, critica quieres aportar
     • 2. Relacion obra y artista
       • 10-15 creaciones y justificar como se involucran con el tema
     • 3. Actividades relacionadas con la exposicion (talleres, proyecciones, exposiciones, conferencias, muestras, etc)
     • 4. Centro de documentacion (recursos audiovisuales, digitales, textuales se pondran para ampliar los conocimientos)
     • 5. Apendice (I) documentacion grafica de los proyectos artististicos (autor, titulo, datos, tecnica, ubicacion)
     • 6. Apendice (II) Propuesta de disposicion en sala osea proyection de los proyectos en una sala real o imaginaria.

EJEMPLO PROYECTOS CURATORIALES

TEMA HABLADO POR LAS CHICAS

Todo es ChatGpt
y lo de Introduccion es para mostrarle al profe

DECONSTRUIR LA DOMESTICACIÓN DEL ARTE DENTRO DEL SISTEMA CAPITALISTA Y DEL CONSUMO DE MASAS

1. Introducción: el concepto de “domesticación del arte”
– Explica qué significa “domesticación”: como el arte, que tradicionalmente tenía un potencial crítico o transgresor, pasa a estar controlado o asimilado por el sistema capitalista.
– Puedes citar teóricos como Theodor Adorno o Guy Debord, que ya advertían de cómo la cultura se convierte en producto.
– Plantea la pregunta central:
👉 ¿Puede el arte mantener su poder crítico dentro de un sistema que lo convierte en mercancía?

La domesticación es la acción de hacer que un organismo se convierta en doméstico.
Describe el paso del estado salvaje al estado doméstico de algunos animales por acción del hombre.

Actualmente vivimos en un mundo capitalista y de Consumo de masas que controla y domina todas estas esferas y sistemas en torno al arte,
realmente en la actualidad puede existir un arte crítico en este sentido si el propio sistema donde debe venderse es lo que lo doméstica?

Idea es analizar los primeros trabajos artistas y pensadores del consumo de masas contrastando con la actualidad los puntos Clave para intentar responder a esta pregunta. Y a partir de todo esto crear un proyecto curatorial.

2. POP ART y WARHOL
– Pop Art refleja el lenguaje del consumo de masas: repetición, iconos, publicidad
– Warhol es Marca y Artista
– Su obra domesticada por el SISTEMA. el arte que quería cuestionar el consumo acaba siendo objeto de consumo.

Creemos que para conseguir nuestro objetivo los puntos Clave o línea de investigación que deberíamos seguir es:
PUNTOS CLAVE o LINEA DE INVESTIGACION
– Warhol, Consumo de Masas
– Redes Socialeas
– Posibles Puntos de Fuga (Deconstruccion)

3 CULTURA DE MASAS A CULTURA DIGITAL
– PRESENTE, consumo Masivo se Transforma en Consumo Digital y Visual a traves de Redes
– LAS IMAGENES, (como en los tiempos de Warhol) siguen repitiendose y convirtiendose en bienes simbolicos
– Paralelismos
– Fabrica Warhol (The Factory) y Creadores de Contenido / Influencers
– Los íconos del cine y la publicidad de los años 60 y las celebridades digitales actuales.
– La serigrafía y la repetición mecánica de Warhol, y la replicación algorítmica de imágenes en redes.

4. DECONSTRUCCION. ¿puede existir un arte crítico dentro del sistema?
– Analizar artistas o movimientos contemporáneos que reinterpretan o cuestionan el consumo digital
– si estas prácticas reproducen o deconstruyen el sistema capitalista y su lógica de la imagen.
– ¿Es hoy el arte que circula en redes realmente subversivo o acaba domesticado por el mismo sistema que intenta criticar?

5. CONCLUSION
– Recuperar la idea de domesticación: tal como ocurre en el arte pop y como se reproduce hoy en la cultura digital.
– Quizás el arte contemporáneo no pueda escapar del sistema, pero sí puede visibilizarlo, ironizarlo o manipularlo desde dentro, que es, en cierto modo, lo que ya hizo Warhol.

IDEAS CLAVES CON EL TITULO
– “Domesticación” → asimilación del arte por el mercado y las plataformas digitales.
– “Deconstruir” → analizar cómo el arte puede poner en crisis estos mecanismos.
– “Consumo masivo” → de la sociedad industrial de los años 60 a la sociedad actual de imágenes y algoritmos.

INTRODUCCION

El título de esta obra, “Deconstruyendo la domesticación del arte en el sistema capitalista y el consumo masivo”, plantea una reflexión sobre cómo el arte ha sido asimilado progresivamente por el sistema económico y cultural que, si bien lo celebra, lo neutraliza. Desde la segunda mitad del siglo XX, con movimientos como el Pop Art, el arte comenzó a dialogar directamente con la cultura de masas y sus símbolos de consumo. Andy Warhol es un ejemplo paradigmático: sus obras, aparentemente superficiales, expusieron la fascinación y, al mismo tiempo, el vacío del mundo mediático y comercial.
Hoy, más de medio siglo después, esta relación entre arte y consumo sigue vigente, pero en un contexto diferente: el de las redes sociales y la cultura digital. Plataformas como Instagram o TikTok han convertido la imagen en una nueva forma de mercancía y han transformado la figura del artista en una marca personal. En este sentido, puede decirse que la “domesticación” del arte que comenzó con el Pop Art se ha amplificado en la era de los algoritmos y la viralidad.

Este trabajo propone analizar cómo el arte contemporáneo puede deconstruir —o al menos visibilizar— este proceso de domesticación. Se trata de explorar hasta qué punto el arte puede mantener una mirada crítica dentro de un sistema que convierte cualquier expresión en un producto de consumo, y cómo los artistas actuales reformulan las estrategias del pasado para cuestionar el capitalismo visual del presente.

VALE MUCHO QUE PENSAR

Nuestra idea sobre el trabajo es definir el concepto de domesticación de los campos artísticos por el discurso dominante capitalista de la sociedad actual. Con esto nos referimos a cómo interectúan las clases sociales y por tanto diferencia de clase con los sistemas y esferas que rodean toda obra artística. Actualmente vivimos, según varios autores, en un mundo capitalista donde se ve un consumo de masas que controla y domina todas estas esferas y sistemas en torno al arte, que empezaron a observarse en los escritos, entre otros, de Theodor Adorno o Guy De board entre otros como teóricos y en las obras de Andy Warhol por poner un ejemplo paradigmático.

Partiendo de este planteamiento nos preguntamos si realmente en la actualidad, teniendo en cuenta la crítica al consumo de masas en este modelo productivo capitalista neoliberal, si es posible o puede existir un arte crítico en este sentido, ya que implícitamente el propio sistema donde debe venderse es el que a la vez lo controla y doméstica.

Para explorar esto nuestra idea es analizar los primeros trabajos artistas y pensadores del consumo de masas contrastando con la actualidad los puntos clave para intentar responder a esta pregunta. Y a partir de todo esto tenemos la intención de crear un proyecto curatorial que plantee estas reflexiones e interrogue al espectador sobre estos conceptos para que éste se plantee estas cuestiones.

VALE LO ULTIMO ES DOG SHIT ES MUY REDUNDANTE, EL ESPECTADOR HACERLO QUE PIENSE CUANDO NO PIENSA, HACERLO REFLEXIONAR, MEJOR MOSTRAR LO TONTO QUE ES, BURLA AL DOMESTICADO

Un proyecto curatorial que pone en común el recorrido desde el Pop Art y la cultura de masas del siglo XX hasta la repercusión de las redes sociales en la era actual.

Partimos de las ideas de Andy Warhol, con la repetición de las Campbell’s Soup Cans (1962), donde mostraba cómo los objetos de consumo domesticaban el deseo, y de Guy Debord, en La Société du Spectacle (1967), que expone cómo la vida real ha sido sustituida por una representación de imágenes.

(objetos de consumo nos domestican, vida represenada por imagenes y no lo real)

Actualmente, las redes sociales nos definen. La noción de vigilancia interiorizada de Michel Foucault nos ayuda a entender cómo los individuos se autoeditan y autocontrolan, consumiendo y creando una sensación falsa de libertad. El consumo nos impulsa a definirnos dentro de un sistema que genera necesidades y moldea nuestros deseos. Tal y como señala Byung-Chul Han, la explotación digital convierte el placer en un instrumento sutil de control: el sujeto sometido no es consciente de su propio sometimiento.

(redes nos definen, explotacion digital convierte el placer en instrumento sutil de control)

Las plataformas digitales como TikTok o Instagram influyen directamente en el comportamiento. Según Shoshana Zuboff (La era del capitalismo de la vigilancia), esa vigilancia invisible transforma la información personal en poder, condicionando decisiones, deseos e identidades. Las redes sociales domestican a los individuos a través de filtros y “likes”, orientando la forma de mostrarse para ajustarse a los ideales. Influencers actuales como Lola Lolita, Georgina Rodríguez o Plex, entre otros, imponen modelos de vida perfecta o ideal basados ​​en el estilo de vida, la moda, los viajes y la estética. A través de estas imágenes, lo cotidiano se convierte en espectáculo y genera comparación social. Las pantallas actúan como espejos: el espectador, sin darse cuenta, reflexiona sobre el deseo y la representación de sí mismo, creando una hiperrealidad que confunde lo ideal con lo real.

(redes sociales imponen modelos de vida perfecta, lo cotidiano en espectaculo, confusion ideal y real)

Con el concepto de simulacro e hiperrealidad de Jean Baudrillard, podemos entender cómo las imágenes y las representaciones sustituyen a la realidad hasta el punto de que ya no sabemos distinguir lo real de lo construido. Los influencers crean versiones idealizadas de sí mismos que acaban siendo más reales que la propia vida: la apariencia resulta más relevante que la experiencia.

(influencers crean versiones ideales de si. mismos, apariencia mas real que experiencia)

Así, el sujeto ya no está vigilado desde fuera, sino que se domestica a sí mismo. Tal y como propone Donna Haraway en su Manifiesto Cyborg, las personas se convierten en seres híbridos —medio humanos, medio tecnológicos— que crean identidades artificiales adaptadas a los códigos impuestos. En la misma línea, Paul B. Preciado, en Testo Yonqui, analiza cómo el cuerpo se convierte en un espacio de control y transformación política, sometido a los ideales de deseo.

(el sujeto esta dosmesticado a si mismos que crean identidades artificiales adaptadas a los codigos impuestoS)

pues si yo lo veia como La industria Cultural Guioniza Nuestra Vida, desde el amor, como nos relacionamos, los deseos que tenemos, pero si es lo mismo solo que metiendo redes sociales que son la industria cultural. Objeto de Consumo domesticando el deseo con Warhol, (NOSE).EM

Organización de los espacios (propuesta inicial)
Sala 1 – El nacimiento del espectáculo Cómo el Pop Art de Andy Warhol o Richard Hamilton convierte el consumo en una forma de identidad, iniciando la domesticación del deseo a través del objeto.

Sala 2 – El ojo que todo lo ve Inspirada en Michel Foucault, muestra cómo la vigilancia se transforma en control: el visitante es observado y, al mismo tiempo, se convierte en observador.

Sala 3 – La fábrica del yo Las redes sociales convierten la vida cotidiana en mercancía visual, donde la identidad se fabrica y se vende como un producto más.

Sala 4 – El cuerpo domesticado Siguiendo a Paul B. Preciado, se explora cómo el cuerpo es sometido a los ideales de belleza, rendimiento y deseo, convirtiéndose en un instrumento de control y adaptación al algoritmo.

Sala 5 – Resistencias posibles Artistas como Guy Debord (Hurlements en faveur de Sade, 1952) o Hito Steyerl (How Not to Be Seen: En Fucking Didactic Educational .MOV File, 2013) proponen estrategias de fuga y resistencia al control, defendiendo el silencio, el g.

En conjunto, la exposición construye una narrativa en la que el espectador se convierte en espectáculo, e invita al público a cuestionar hasta qué punto todavía es libre. ¿Quién mira a quien cuando todo está siendo visto?

PALABRAS CLAVES
– ANDY WARHOL, objetos de COnsumo Domestican el Deseo (MARKETING TELE, LUEGO MOVIL)
– SOCIEDAD DEL ESPECTACULO, la vida real ya no es real, las imagenes de la tele sustituyen la realidad (JUEGO CON DOS REALIDADES
– REDES SOCIALES nos DEFINEN, sentido en que la gente en redes se autocontrola para dar ese toque perfecto, consumiendo y creando la misma mierda. Falsa Libertad, El sujeto no es consiente que controlan sus deseos con un aparato

COMO LAS REDES SOCIALES, AFECTA EN LA PRODUCCION ARTISTICA DE HOY EN DIA.
ARTISTAS QUE CREAN PARA VENDER,
NO CREAN PARA REINVINDICAR,
reinvindicar es una palabra muy actual, quizas ya muchos artistas vendistas usan esta palabra

TALENTOS PERTENECIENTES A LA INDUSTRIA CULTURAL
LOS ARTISTAS TAMBIEN TIENEN QUE COMER
que bailan para la Industria crenado arte popular, artistas que se agarraron al consumo de masas para hacerse famosos

• JEFF KOONS
  Un tipico, un Warhol, todos los empresarios que son artistas

– MARCELO WONG
Ey respeto en verdad empezo haciendo esculturas con tradicion peruano
sin ser muy creativo o si, no inventaba nada nuevo, solo redisenaba a su estilo, redisenar imagenes que le gustan y le llenan y llevarlo a su entorno escultorico
Se que por ser Peruano no tiene que hacer arte en si pero veo que tiene una figura, la agarra y tipo para lo de hello kitty es vendida completa a la industria cultural, coger un muneco que se hace popular y colaborar con un muneco tambien popular. ES ARTE POP no por eso malo pero sin conversacion.

• James Turrell cuarto de luz drake

EL ARTE CULTURAL, Y NO EL ARTE PRODUCTO
EL ARTE QUE SE RIE DEL CONSUMO DE MASAS
( no hay algo que Recordar y Preservar si no un producto al cual comprar)

INDECLINE SI SE BURLA

FOTOCOLECTANIA EL ARTE POSTAPOCALIPTICO

Which Way Western Man?

VALE DIA 14 NOVIEMBRE

Tipo mas que Poner DECLARACIONES DE INTENCIONES NO SE PONE
pues el Trabajo se ve Reflejado.
REPARTIMOS LOS TEMAS,

no hace falta especificar tanto, poner el titulo, y explicar de una.
BUENO NURIA SE DEDICARA
DECLARACION DE INTENCIONES, EL TITULO, DE LO QUE QUIEREN HABLAR

RELACION OBRA Y ARTISTAS, recolectar TEORICOS. OBRAS COMO TAL.
ACTIVIDADES RELACIONES CON EXPOSICION, RECURSOS
ENTRE UNO.

DOCUMENTACION GRAFICA DE LOS PROYECTOS ARTISTICOS
PROPOSTA DE DISTRIBUCIO DE LA SALA. JUNTOS.

HAN PUESTO EL TITULO Y LUEGO HAN EXPLICADO TODO ELLO,
LUEGO RELACION OBRAS Y ARTISTAS.
luego ponen titulos, yo lo que haria HABLAR DE ARTISTAS y lUEGO TEMA ESPECIFICO
«HIPERREALIDAD» «SIMULACROS»

DOMESTICADOS: del deseo libre al algoritmo obediente

Domesticar (1)ha sido, a lo largo de la historia, un mecanismo de poder ejercido sobre cuerpos considerados susceptibles de ser moldeados, controlados o rentabilizados. En las sociedades industriales (2), este término se utiliza de forma metafórica para describir procesos de control y adaptación. Originalmente aplicados a los animales (3) —hacerlos dóciles, útiles y ajustados a las necesidades humanas—, lo que antes definía la relación con los animales pasa a funcionar como un modelo para entender cómo las conductas y espacios humanos son reorganizados para adaptarse a una lógica productiva (2). En la contemporaneidad digital, la domesticación ha adquirido formas más sutiles: ya no ejerce sobre el cuerpo físico, sino sobre la identidad, el deseo y la percepción. La exposición DOMESTICATS se inscribe dentro de este marco y analiza la forma en que el individuo —convertido en sujeto digital— es conducido, optimizado, ordenado y regulado a través de plataformas, dispositivos y algoritmos. El proceso de domesticación ya no se presenta como una imposición externa, sino como un pacto voluntario y deseado por el individuo de forma inconsciente(la forma mas facil de manipulacion, es cuando se manipula con el deseo, con las imagenes, con el entretenimiento, con el goce). El sometimiento se disfraza de autonomía; el control, de elección personal. Desde la llegada de la cultura de masas, la imagen ha ido sustituyendo progresivamente a la experiencia. Lo que antes era representación se percibe hoy como realidad (muy fontcuberta). El individuo deja de construir su mundo para vivir dentro de uno que define qué es deseable, correcto o digno de atención. Aquí es donde la domesticación se hace más efectiva: cuando deja de ser percibida como tal. En ese contexto, las redes sociales actúan como grandes escenarios de construcción del yo. La identidad se expresa a través de una serie de fotografías, vídeos y narrativas que, aparentemente, celebran la autenticidad, pero que en realidad sólo reproducen patrones y expectativas sociales. El individuo se autorregula por ser visible, por encajar, por ser reconocido. Cada like es una victoria; cada ausencia, una derrota. Las figuras públicas del mundo “influencer” son un claro ejemplo de las nuevas formas de domesticación. El ideal de vida se convierte en un producto visual consumible, una ficción cotidiana que opera como modelo de conducta para millones de usuarios. La domesticación ya no se impone: se contagia. Paralelamente, el capitalismo de vigilancia convierte cada gesto digital en dato. La información personal se convierte en sistemas algorítmicos que dirigen el deseo. El usuario, convencido de que navega libremente, transita por caminos previamente ajustados para mantenerlo activo y predecible.

Empezar a salir de este bucle implica darnos cuenta. El glitch —el error digital, la distorsión, la pixelación, el ruido— deja de ser sólo una estética y se convierte en un señal de alerta que nos permite, o al menos intenta, ver lo que la imagen amaga. Resistir ya no es sólo desaparecer, sino preguntarse cómo y por qué hemos legado a ese punto de sumisión.
Esta exposición propone poner en entredicho los mecanismos que sostén nuestro consumo automático de imágenes. Es una invitación a hacer consciente esa domesticación que hemos ido asumiendo inconscientemente, a reconocer cómo la pantalla configura nuestra mirada y nuestros deseos. Tomando como principal referente a Hito Steyerl artista que expose los engranajes ocultos del control digital.

Abrir un espacio crítico: explorar opciones para recuperar una mirada propia, menos acondicionada y más libre.

En un sistema en el que todo es consumible ¿Quién es domesticado mientras mira? (bueno no son las imagenes sino todo el espectaculo y la relacion de la sociedaD) ¿Quién decide qué es deseable? (NA tampoco hay un final boss, solo gente queriendo predecir o el todo igual)

Y, sobre todo, ¿existen todavía espacios para no ser domesticados? (la deriva, Situacionismo)

(1) Sociedad que emerge durante la Revolución Industrial (s. XVIII-XIX). La disciplina del trabajo, los espacios fabriles y la regulación conducta humana como forma de domesticación del sujeto.
(2) Foucault, M. (1975). Surveiller te castigar: Naissance de la prisión. Gallimard.

COMO FUNCIONA LA EXPOSICION

Nuestra exposición está montada para que éste expuesta en el centro de arte Santa Mónica, que es un centro de arte que encontramos en el Centro de Barcelona. Nuestra exposición está dividida en diversas zonas donde haremos una inmersión directa en el mundo de la domesticación digital, donde empezaremos desde el principio, un principio donde haremos que el espectador entre como si la domesticación fuera un pacto hacia el espectador, es decir, de una sumisión de la sociedad se haya devuelto un pacto, y en las diferentes zonas que tendrá nuestra exposición encontraremos diferentes obras que hables de esa domesticación que nos encontramos en nuestra sociedad.
(CENTRO DE ARTE SANTA MONICA,
INICIO, SUMISION PACTO CON EL ESPECTADOR)

Nada más empezar nos encontraremos un espacio lleno y orientado a las nuevas tecnologías, con detalles que nos recuerden a ellas, en las paredes buscadores como google, signos como el de las redes sociales, todos los espectadores deben sentirse como si nos habríamos metido dentro de nuestro propio ordenador o teléfono móvil. La idea es que la gente entre en la exposición sobre la domesticación digital, puesto que es algo que vivimos la gran mayoría de la sociedad una domesticación digital y hemos hecho indirectamente un pacto con ella, y donde nos encontraremos obras que vivan un engranaje hacia domesticación digital que vivimos en la actualidad.
(NUEVAS TECNOLOGIAS, GOOGLE REDES SOCIALES, OBRAS QUE VIVAN UN ENGRANAJE A LA DOMESTICACION, AL ESPECTACULO ACTUAL)

En esta primera parte de la exposición es importante hacerles entender que, la domesticación digital nadie nos la ha impuesto, pero la sociedad nos ha cedido y hemos decidido hacerlo de forma voluntaria. (NOSE Hay debate, una responsabilidad por las imagenes con lo cual llega la culpa o victimizarse por un control, tipo capitalismo)Siendo conscientes de que las redes sociales y la digitalización están diseñadas para llamar la atención del público para que hagan uso de ello, de forma inconsciente y como rutina, y ahí entra el término que hemos denominado PACTO VOLUNTARIO.
(NADIE IMPUESTO, PACTO VOLUNTARIO)

Una vez terminada esta primera parte donde nos hemos presentado el tema, la domesticación digital y cómo la sociedad la ha aceptado y adoptado hasta llegar a hacer un pacto, nos adentraremos en una segunda parte dentro de la misma exposición pero que cambiara un poco el discurso y profundizara más en el tema.
(PRESENTADO EL TEMA, DOMESTICACION COMO PACTO, PROFUNDIZARA EL TEMA)

Esta segunda zona se focalizará en las redes sociales y en el uso que hacemos de ellas. Como para mostrar que existimos debemos mostrarnos a nosotros, y enseñar lo que hacemos en el día a día (la imagen no como recuerdo sino pase por pantallas, el compartir). Son las consecuencias directas del pacto que anteriormente habíamos realizado con las redes sociales.
(SEGUNDA, USO DE LAS REDES, MOSTRARNOS EN REDES)

En esta zona sobre todo se verá reflejado la idea de la originalidad dentro de las redes sociales, y cómo las personas que hacen uso de ellas debe intentar mostrar cosas que generan más likes que otras personas, la importancia sobre la exposición que mostramos y sobre todo esa falsas vidas que llevamos y lo ideal que puede llegar a ser todo, porque es importante entender que en las redes se muestra lo que uno muestra. No hay unas reglas marcadas sobre lo que podemos o no subir pero cada uno se marca y doméstica sobre los límites y cosas que él quiere mostrar. Pero siempre suelen seguir la misma ola que el resto de sociedad, es decir, mostrar lo bonito de nuestras vidas.
(COMO TE REPRESENTAS EN LA IMAGEN, QUE LIMITES DE LA IMAGEN, LO BONITO)

La idea sería poner una pantalla táctil de gran tamaño en medio de la zona donde estarán expuestas las obras y que se puedan ver digitalmente y pasar con el dedo simulando a ese uso que hacemos con las redes sociales, que pasamos de forma automática las historias o TikToks que tan enganchados tienen a la sociedad.
(PANTALLA DE GRAN TAMANO, EXPUESTAS LAS OBRAS PARA VER DIGITALMENTE)

También hemos pensado tomar publicaciones de personas con gran cantidad de seguidores y colgarlas de manera aleatoria por toda la sala, por ejemplo tomar una foto publicada de cualquier influencer preciosa con su look, u otra en sus vacaciones ideales, y así ir cogiendo imágenes de cómo muestran su vida perfecta y apropiarnos de ellas para colgarlas.
(INFLUENCERS Y COLGARLAS)

Una vez terminada esta zona donde hablamos de las redes sociales y ese impacto que tienen en nuestra sociedad, pasaríamos la siguiente parte de la exposición que otra vez da un giro y nos pondríamos hablar de la vigilancias y los algoritmos que tenemos al usar la digitalización

En esta parte de la exposición encontraríamos las paredes con cámaras de vigilancia, huellas dactilares por las paredes y falsos reconocimientos faciales para poner en situación al visitante.
(TERCERA, VIGILANCIA, PANTALLAS, FALSOS RECONOCIMIENTOS)

Ésta es la capa menos visible de la domesticación. En esta etapa de la exposición queremos que el visitante sea consciente de la repercusión que tiene cada conversación, cada cosa que buscamos por internet. Y a través de esto aparecen los algoritmos, el control que nos tienen, es como cuando hablas con un amigo que te quieres comprar un reloj y el primer anuncio que te sale en el móvil después de hablar de esto es de relojes, quien nos vigila, quien nos escucha, en esta parte de la exposición queremos poner todo esto en entredicho, y que el visitante reflexione. Cada movimiento en nuestras plataformas, los likes en las redes sociales, creamos un perfil propio que hacemos que internet nos enseñe lo que nos va a gustar.
(TERCERA, REFLEXION DE LOS MOVIMIENTOS EN REDES)

Esta parte de la exposición puede vincularse directamente con el capitalismo de vigilancia, que nos habla de un modelo económico que se basa en algoritmos. Debemos ser conscientes de que los algoritmos no deja de ser una maquina aprendiendo cada día de nosotros y así generando y enseñarnos lo que nos gusta. Y con esto veríamos la domesticación más de manera directa, ya que no es lo que hayan aprendido de nosotros sino lo que pueden esperar que queramos nosotros y orientarnos hacia dónde la plataformas digitales quieren.
(ALGORITMOS)

Una vez terminada esta parte de la exposición, pasaremos a la siguiente parte, quería enfocar al Glitch y la fisura y resistencia. Donde cambiaríamos el tono de la exposición por completo, ya que lo que hemos hablado la exposición anteriormente es bastante invisible y la sociedad no se da cuenta. Cuando hablamos de Glitch nos referimos al fallo en estas imágenes que se congelan o cuando una página no responde. Cuando esto ocurre domestiquemos la mirada, deja de ser una experiencia relajante y para muchos insignificante para volverse una imagen que nos llama la atención incluso nos cambia el carácter.
(CUARTA, GLICH, ESCAPATORIA, RESISTENCIA, SITUACIONISMO)

Aquí propondremos al Glitch como una estrategia de resistencia. Consiguiendo esta imagen ideal que buscábamos se conviertan todo lo contrario y negamos su lógica de atracción. Para ello, las obras de esta zona tendrán obstáculos que no dejarán ver las obras correctamente. Para generar esa insatisfacción al visitante y al consumidor de estas imágenes. Y así convertir al Glitch en un recurso Virtual. Dentro de esta parte, la exposición habrá vídeos que se parecen o píxeles por falta de Internet por ejemplo. Es decir, esta parte de la exposición estará llena de errores intencionados.
(OBRAS OCULTAS, GLICH, PIXELES MUERTES, ERRORES INTENCIONADOS)

Como última parte de la exposición, pero no menos importante. Al final de ella generamos un espacio crítico que no significa que sea un espacio para generar un final, sino que es un espacio para generar preguntas. Después de haber pasado por diferentes fases de la domesticación digital, creíamos que era oportuno generar un espacio de preguntas para que el espectador se genere más a sí mismo.
(ESPACIO PARA GENERAR PREGUNTAS, UNA DERIVA)

Habíamos pensado que en este espacio que las paredes hubiera preguntado sobre el tema y estas preguntas, las leyeran los espectadores y así se fueran a casa, pensando en ellas y replanteándole se las. Aquí habrá una actividad final donde en medio se colocará papeles y bolígrafos por si alguien quiere escribir lo que piensa respecto a las preguntas de forma anónima. Una vez respondidas las preguntas en el papel, podrán meterlas dentro de un buzón. Con estas respuestas a lo largo de los días la exposición se irá exponiendo de forma aleatoria en la pantalla en la misma sala, no porque los visitantes sean influenciados en la respuesta de otro, sino para que ellos generen debate interno y vean la perspectiva de otras personas.

PROPUESTA DE LA DISTRIBUCION DE LA SALA.

El lugar escogido es el centro de arte Santa Mònica, un centro de arte de investigación artística y activación de procesos experimentales. Una de las cosas que más nos gusta de este centro es su pensamiento de cómo entienden la educación artística, ya que no la entienden como una traducción o interpretación de los contenidos, sino como una relectura de forma crítica de los discursos y cuestiones que se generan, y así amplían la complejidad. Este centro lo ve como una forma de fomentar el pensamiento crítico y generar nuevas preguntas e inquietudes.

Es un espacio de exposición nos interesa, ya que, está situado en el centro de Barcelona, ​​por ser exactos está ubicado en la zona de las ramblas, donde sería un lugar donde muchas personas interesadas podrían venir a visitarla, para nosotros era muy importante que la exposición estuviera en Barcelona, ​​debido a que tendría más visualidad que en un pueblo de alrededor de Barcelona.

Por otra parte, tiene mucha accesibilidad en traspone público, porque tiene cerca varios puntos de agujereado de bicicletas públicas, también podríamos acceder desde la L3 de metro, en la parada Drassanes. Y otro punto de accesibilidad sería a través de autobús que también existe una variedad de ellos que pasan por la sala santa Mónica.

Después para nosotros era muy importante que todo que quisiera venir puedes acceder a nuestras instalaciones sin ningún problema y esta sala de exposiciones es una sala que está adaptada a personas con discapacidades físicas, también está adaptada aquellas familias que quieran acceder con un cochecito de un niño pequeño. Por otro lado, tiene accesibilidad tanto visual como auditiva para personas que lo necesiten.

Por otra parte, son unas instalaciones bastante grandes, ya que disponen de 3 plantas de espacio expositivo para utilizar, y que nos han dado mucho juego para escoger una u otra forma de exponer nuestra exposición, nos preguntábamos cómo, utilizar todas las zonas, sólo una o dos plantas o salas…

5 DICIEMBRE

Introducción al pacto de domesticación

Como dicen Adorno y Hokenheimer (), en el mundo capitalista que explota a los trabajadores la vía de escape es el ocio, un ocio contaminado por el mismo sistema en el que todo ocio es una copia y de este modo perderían así su propia agencia tanto como el propio poder de imaginar al espectador que acaba atrapado dentro del mismo sistema del que quiere escapar. Señalan que ese ocio se convierte en vicio. En este sentido, creemos que se puede trazar una línea entre este vicio con el uso de las redes sociales así como todos utilizamos éstas para escapar del día a día, para enajenarnos de acuerdo con la lógica individualista moderna.

Bourdieu() ya nos proponía un reto principal de cara al futuro: el de prestar especial atención a las formas en que los diferentes agentes neoliberales intentan universalizar su interés grupal (las tecnologías pueden de alguna manera). La debilidad del Estado como legitimizador de puntos de vista (geometra de todos los puntos de vista) abre la puerta a otras instancias puedan ocupar ese espacio o valerse del propio Estado para obtener sus propósitos. La teoría social de Braudillard ayuda a tomar conciencia de ello, pero en la práctica son necesarias iniciativas e instituciones que contrarresten a estos agentes, que cuentan ya con una importante legitimidad social.

Jordi Busquet en El sublime y vulgar. Los intelectuales y la “cultura de masas” (1998) señala que como dijo Marx en la creación artística o artesanal, el sistema de producción capitalista es hostil. Si desea participar en la producción de la industria cultural, el artista debe integrarse en una estructura altamente jerarquizada, dominada por la división social del trabajo y regida por imperativos de carácter comercial. Y esta división social del trabajo rompe la unidad del proceso de creación, que ahora no depende ya de un solo individuo sino de todo un equipo organizado bajo principios ajenos a los de la calidad estética. Así las recién nacidas relaciones entre el intelectual y la cultura de masas se convirtieron en los años cincuenta en un problema importante.

Según la teoría de Deboard el “espectáculo”, este problema importante no es sólo una multiplicación de imágenes de forma abundante, sino que es una ideología, una forma de pensar y de organización social, con la que la experiencia real se desplaza al medio de la representación, una representación considerada como verdad, aunque ésta distorsiona la realidad.

Siguiendo esta línea teórica y al mismo tiempo teniendo en cuenta la extensión tecnológica, empieza a cambiar nuestra experiencia estética, y con ella nuestro deseo, que nos fuerza a la formación del público masivo moderno. En La obra de arte en la era de la reproductibilidad técnica (1936) Benjamin ya nos propone una salida radical (“asumir el sacrificio de la autonomía de la obra que impone su reproducibilidad”), de forma similar que Warhol y los demás artistas pop.

Redes sociales: la necesidad de mostrarse

Braudillard influenciado por Deboard, nos dice que el simulacro o representación es más real que lo real.

Ticio Escobar en El arte fuera de sí () nos habla de cómo la mirada condiciona lo que vemos, que esto condiciona a la vez nuestra mirada sobre lo que estamos viendo:

En un sistema en el que todo es consumible ¿Quién es domesticado mientras mira? ¿Quién decide qué es deseable?

Como dice Juan Martín Prada en Prácticas artísticas e internet en la época de las redes sociales (2012) a principios del siglo XXI comienza la «segunda época» de la web, una fase que se caracteriza por la generalización ya del uso de conexiones de alta velocidad y sobre todo por la aparición de nuevas dinámicas de participación e interrelación alrededor de una. Un período también en el que se ha dado por finalizada la “fase desktop” de Internet, en la que el acto de acceder a ella estaba vinculado al uso de un ordenador con ubicación fija.

Estas transformaciones han dado lugar a las primeras propuestas del arte de Internet a principios de la década de los noventa del pasado siglo, manifestaciones que surgieron como experimentación crítica y exploración artística de la propia red y sus tecnologías. La evolución de estas prácticas artísticas en el nuevo contexto da lugar a que ahora los artistas se apropien de las redes sociales, plataformas de participación y metaversos como contextos de referencia y actuación, mientras ponen a prueba a los potenciales críticos y subjetivizadores del pensamiento artístico, exigiendo una potente dimensión interpretativa.
Además Martín Prada nos dice: «Una cuestión de gran interés será la consideración de algunos de estos sitios de interacción comunicativa y debate abierto como obras de arte en sí mismas. …, este tipo de espacios, orientados a la producción de comunidades comunicativas abiertas, podrían ser considerados como la realización de una cierta <ESCULTURA SOCIAL> en los mismos términos que planteara Joseph Beuys».

VIGILANCIA Y ALGORITMOS

La biopolitica de Focault y la obra de Dan Graham

El diagnóstico que planteó Foucault sobre el concepto de biopoder es hoy en día una obviedad, aunque, según Martín Prada tenemos que entenderlo como mucho más que el poder sobre los cuerpos y mucho más que las tecnologías para controlar la vida biológica o física de la población. Hoy casi todas las estrategias políticas y económicas se centran en la vida y lo viviente. Las formas de relación humana son las bases instrumentales de la producción, por lo que estas relaciones personales y sociales se vuelven inseparables de las relaciones políticas y económicas.

De esta forma, ahora, los productos más exitosos de las nuevas industrias son, sobre todo, las tecnologías de la comunicación interpersonal, diseñadas específicamente para la explotación del campo de las interacciones sociales y afectivas. Las redes sociales son las que lideran la producción de sentimientos relacionados con el bienestar de la compañía y la proximidad, los estados acercamiento y la evidencia continuada de afectividad interpersonal. Así estas se convierten en responsables de una adictiva mediación técnica de afectividad que permite la multiplicación intensiva del intercambio de su necesidad.

Una de las primeras aportaciones a esta investigación en torno al mundo de la afectividad fue la obra Online Caroline (2000) de Rob Bevan y Tim Wright.

Como dice Thomas P. Keeman, nuestros cuerpos vivos siempre pueden proporcionar al menos uno de tres factores ( algo que tienes, algo que sabes, algo eres) para identificarnos ante nuestros aparatos tecnológicos.

Algunas personas creen que, aunque las datos extienden en la red, extraer información sobre ellos sería como encontrar una aguja en especial que estuviera enterrada en una montaña de alfileres del tamaño de un pajar. Sin embargo, esta forma de pensar soslaya el incremento asombroso en la potencia del cálculo, el descenso en los costes de almacenamiento y las aceleradas mejoras en los algoritmos empleados en el análisis y la minería de datos de las dos últimas décadas.

“Cada vez que comparas un libro, tiene <te gusta> una publicación de Facebook, te haces <amigo > de alguien, envías un correo electrónico o incluso te conectas a internet desde un sitio distinto del habitual dejas un rastro digital que es examinado a fin de averiguar más información sobre ti, Y si bien las relaciones humanas empiezan lo mismo que terminan, tu presencia en la red es para siempre y puede rentabilizarse de maneras que quizá no hayas considerado.”

ORGANIZACION DE LOS ESPACIOS

Nuestra exposición está pensada para ser presentada en el Centro de Arte Santa Mònica, situado en el centro de Barcelona. La exposición se divide en diversas zonas donde realizaremos una inmersión en el mundo de la domesticación digital. Al principio del recorrido queremos que el espectador al entrar sienta esta domesticación como un pacto, es decir, como si el sometimiento de la sociedad se hubiera convertido en un pacto voluntario con el sistema digital.

1.  Introducció al pacto de domesticació.

Nada más entrar, el visitante accederá a un espacio lleno de elementos vinculados a las nuevas tecnologías: paredes con buscadores como Google, símbolos de redes sociales y detalles que nos recuerden constantemente en el entorno digital. La intención es que el espectador sienta que está dentro de su propio ordenador o teléfono móvil.

La idea es que, desde el primer momento, el público entre en la temática de la domesticación digital, realidad que la mayoría de la sociedad experimenta. Esta domesticación no está impuesta, sino que hemos hecho indirectamente un pacto con ella.

En esta primera parte es fundamental mostrar cómo la domesticación digital no ha sido impuesta por nadie, sino que la propia sociedad la ha aceptado voluntariamente. En realidad, somos conscientes de que la era digital está diseñada para captar la atención y convertirse en parte de nuestra rutina. Por eso, aquí aparece el concepto de PACTO VOLUNTARIO

2. Redes sociales: la necesidad de mostrarse

Después de esta introducción, pasamos a la segunda parte de la exposición, donde el discurso cambia y profundiza en el papel de las redes sociales y en su uso.
Aquí queremos mostrar cómo, para demostrar que existimos, es necesario mostrarnos, enseñar lo que hacemos cada día. Este hecho es consecuencia directa del pacto que hemos establecido con las redes sociales.
En esta zona destacamos:

• la idea de supuesta originalidad,
• la competición por los likes,
• la importancia de lo que exponemos,
• y cómo creamos versiones falsas o idealizadas de nuestras vidas.

En las redes, cada uno marca sus propios límites y se domestica a sí mismo sobre qué mostrar y qué no. Sin embargo, la mayoría sigue el mismo patrón: mostrar sólo la parte hermosa.

Aquí proponemos colocar una pantalla táctil de gran formato en el centro de la sala, donde las obras se puedan ver digitalmente y se puedan pasar con el dedo, al igual que hacemos con historias o TikToks.

También planteamos colgar, de forma aleatoria, publicaciones de personas con muchos seguidores, como influencers, que muestran vidas ideales: fotos de sus looks, de las vacaciones, etc. Nos apropiaremos de estas imágenes para exhibirlas y evidenciar cómo se construyen estas ficciones de perfección.

3. Vigilancia y Algoritmos

Una vez terminada la zona dedicada a las redes sociales, entramos en otra parte de la exposición, donde el discurso vuelve a cambiar.

Ahora hablaremos de la vigilancia digital y de los algoritmos que operan cuando utilizamos dispositivos digitales.

En esta sala encontraremos:
– cámaras de vigilancia colocadas en las paredes,
– huellas dactilares,
– falsos reconocimientos faciales.

Ésta es la capa menos visible de la domesticación.

Queremos que el visitante entienda que cada conversación, cada búsqueda, cada like deja un rastro. A partir de esto, aparecen los algoritmos, que aprenden de nosotros y nos muestran contenido basado en lo que hacemos… o en lo que pueden esperar a que queramos.

Aquí se introduce el concepto de capitalismo de vigilancia, un modelo económico basado en algoritmos que aprenden de nosotros todos los días.

Ésta es la parte de la domesticación más directa: no sólo lo que hemos hecho, sino lo que prevén qué querremos.

Glitch, fisura y resistencia

“En su articulo sobre el descubrimiento de la cueva Woderwerk, el antropólogo Michael Chazan y sus colegas describen la habilidad de dominar el fuego como <un punto de inflexión descicivo en la evolución de la humanidad> No exagero si afirmo que en la actualidad nos encontramos ante una encrucijada comparable. La información y las tecnologias que nos permiten manejarla estan transformando nuestras vidas de manera tan profunda como los cambios que nos trajo el fuego.” (Keenan, 2014)

La forma en que nos comunicamos con la interfaz de de las redes sociales, al estar en constante evolución, provoca que su lenguaje quede obsoleto rápidamente.

Braudillard en una entrevista de Claude Thibaut en 1996 dijo: «Me cuesta mucho ponerme a trabajar en la pantalla porque todo lo que veo allí es un texto en la forma de una imagen en la que me cuesta entrar. Conmigo la máquina de escribir el texto está a cierta distancia; es visible y puedo trabajar con él pero sólo si uno está en el otro lado y si uno se sume.

Martín Prada dice : “Considerando este inmenso poder que en la configuración de la vida humana tiene hoy en día la tecnología informática, no puede extrañarnos que las prácticas artísticas más comprometidas con la crítica social y cultural hayan insistido tanto en llamar la atención sobre las relaciones entre los códigos tecnológicos y los códigos sociales y de conducta. Un caso paradigmático de esta crítica son muchas de las obras del grupo Jordi. Este colectivo siempre ha incidido en una tematización del código informático ( ese mundo de instrucciones que hace funcionar a nuestros ordenadores pero que generalmente ni vemos ni entendemos ) como metáfora de lo que quizá podríamos denominar el <<inconsciente tecnológico>>; es decir, toda la infinita serie de procesos, intenciones e intereses que subyacen en el tecnificado mundo que nos rodea, que poco a poco nos van moldeando a través de nuestros propios usos y adaptaciones a las herramientas y medios informáticos, generando nuevos hábitos, necesidades, dependencias y valores, pero cuyas formas de actuación y efectos en la producción de subjetividad nos pasan casi desapercibidos.”

El colectivo Radical data realizó un proyecto en la ciudad de Barcelona en el que diseñan una ruta libre de videovigilancia intentan ser una resistencia al control tecnológico.

4. Glitch, fisura y resistencia
   Después de este espacio de vigilancia invisible, pasamos a una parte muy distinta: Glitch como estrategia de resistencia.
   Cuando hablamos de glitch nos referimos a errores visuales: imágenes congeladas, píxeles, vídeos que no cargan…
   Cuando esto ocurre, nuestra mirada se desestabiliza: lo que debía ser agradable se convierte en una incomodidad que nos llama la atención.
   En esta zona, el glitch se utiliza como forma de negar la lógica de la atracción visual. Las obras tendrán obstáculos que impedirán verlas correctamente para generar insatisfacción en el visitante y romper las expectativas.
   También habrá vídeos que se detienen o que se pixelan expresamente.
   Todo el área estará llena de errores intencionados.

5. Espacio crítico final
   La última parte de la exposición no actúa como cierre, sino como espacio de reflexión.
   Después de atravesar todas las fases de la domesticación digital, queremos que el espectador se formule preguntas.
   Las paredes estarán llenas de cuestiones sobre el tema para que cada uno las pueda leer y llevárselas.
   En el centro habrá una mesa con papeles y bolígrafos para que el público escriba, de forma anónima, lo que piensa respecto a estas preguntas.
   Una vez respondido, se depositarán en un buzón.
   Con el paso de los días, las respuestas se irán mostrando aleatoriamente en una pantalla de la misma sala. No por influenciar a nadie, sino para que el visitante pueda ver otras perspectivas y generar un debate interno.