REFERENTES PARA EL PROYECTO

PALABRAS CLAVES
– ANDY WARHOL, objetos de COnsumo Domestican el Deseo (MARKETING TELE, LUEGO MOVIL)
– SOCIEDAD DEL ESPECTACULO, la vida real ya no es real, las imagenes de la tele sustituyen la realidad (JUEGO CON DOS REALIDADES
– REDES SOCIALES nos DEFINEN, sentido en que la gente en redes se autocontrola para dar ese toque perfecto, consumiendo y creando la misma mierda. Falsa Libertad, El sujeto no es consiente que controlan sus deseos con un aparato.
– lo cotidiano se convierte en espectáculo y genera comparación social.
– el espectador, sin darse cuenta, reflexiona sobre el deseo y la representación de sí mismo, creando una hiperrealidad que confunde lo ideal con lo real.
– Los influencers crean versiones idealizadas de sí mismos que acaban siendo más reales que la propia vida: la apariencia resulta más relevante que la experiencia.
– Así, el sujeto ya no está vigilado desde fuera, sino que se domestica a sí mismo, que crean identidades artificiales adaptadas a los códigos impuestos.

En conjunto, la exposición construye una narrativa en la que el espectador se convierte en espectáculo, e invita al público a cuestionar hasta qué punto todavía es libre. ¿Quién mira a quien cuando todo está siendo visto?

A PUTA y porque me pidieron Referentes de Artistas si Vendidos y No Vendidos?

Bueno si los Artistas Talentos son Los que PERTENECEN A LA INDUSTRIA CULTURAL
A ver se agarraron al Consumo de Masas como Warhol o el Klein pero tambien tienen que comer
No critican mucho y si critican bueno en la superficie, es un arte muy estetico.
un arte POP

MARCELO Wong
- Respeto, Escultor Peruano que bueno dea esculturas Munecos, y jugaba con materiales de escultura pero no habla de nada en si solo roba, interpreta y genio escultorico pero dea lo de hello kitty es full agarrar un artista peruano con la moda de san rio y vender

James Turrell
- mago de la luz, espacios y luz, percepcion y joder increible pero como se sobre reflexivo, son espacios para foto pienso tira la de vision reflexiva para «verte a ti mmismo viendo» pero bueno despues drake se pone a bailar en eso. es solo comer

Jeff Koons, Murakami, Yayoi, kaws
- ya pa que tirar, oye esta buenisimo su arte, llevar ese estilo japones a la contemporaneidad, llevar tu locura de lunares a tus esculturas pero dea como que se vuelven marca, y ya full

Repetibilidad + estética llamativa + colaboraciones con marcas + exposición en redes = ARTE-PRODUCTO

BUENO YA NO ME INTERESA, HABLEMOS DE LA BASURA, LOS ARTISTAS DIGITALES
EL ARTE CULTURAL, Y NO EL ARTE PRODUCTO
( no hay algo que Recordar y Preservar si no un producto al cual comprar)

PAUL PFEIFFER. ¿Es la imagen la que nos hace a nosotros o somos nosotros quienes hacemos las imágenes?

Gretchen Bender

ALECANDRA BELL,. CONTRANARRATIVAS

Erika Rothenberg

Sara Bezovšek sCROOL

FMW25_Handout_LOTI_EN_final Descarga

HAY ARTE CULTURAL, EL PERREO POSTAPOCALIPTICO

16 NOVIEMBRE

Otra imagen más de un gato que te hace poner cara de asco. Esa serie que te encanta odiar y que no para de aparecer como meme en redes sociales. Una foto que te incita a hacer clic, una trampa irresistible. Propaganda política disfrazada de ternura y las promesas incumplidas de cuerpos perfectos en tu app de citas. Esa última foto de Airbnb que te engañó y te hizo caer en una trampa sin ventanas. Es difícil no dejarse absorber por el mundo de las imágenes digitales, un mundo tan seductor que no podemos parar de desplazarnos y seguir haciendo clic.

La exposición «El atractivo de la imagen» explora las formas digitales contemporáneas de la fotografía y su poder de seducción: ¿Cómo nos atraen o seducen las imágenes al circular por internet? ¿Cómo nos cautivan, nos atrapan o nos controlan? Las 14 propuestas artísticas presentadas en la exposición abordan fenómenos visuales que sirven como vehículos para la comunicación, la crítica y el humor online, destacando el papel crucial que desempeñan las imágenes en la configuración de nuestros paisajes sociales, culturales y políticos.

La exposición invita a explorar los mundos visuales de las redes sociales, los perfiles de aplicaciones de citas, los filtros de belleza, los memes, los vídeos ASMR, las imágenes «tiernas» y «perturbadoras», los emojis, las imágenes generadas por ordenador y las capturas de pantalla de baja resolución utilizadas para la teoría de la conspiración o la protesta. Las propuestas artísticas analizan los complejos mecanismos de atracción, esclareciendo cómo las imágenes y sus estructuras subyacentes —desde algoritmos hasta conjuntos de datos— dirigen nuestra atención, provocan emociones e influyen en las opiniones. De este modo, las obras ofrecen investigaciones contemporáneas sobre cómo las imágenes están integradas en una economía de la atención, a la que contribuyen activamente; una economía que alimenta nuestros deseos y se nutre de nuestras reacciones afectivas.

Con obras de: Zoé Aubry, Sara Bezovšek, Viktoria Binschtok, Sara Cwynar, Éamonn Freel x Lynski, Dina Kelberman, Michael Mandiberg, Joiri Minaya, Simone C Niquille, Jon Rafman, Jenny Rova, Hito Steyerl, Noura Tafeche y Ellie Wyatt.

Nota: Algunas de las obras de la exposición contienen material sensible que podría resultar perturbador.

ARTISTAS

ZOE AUBRY

SARA CWYNAR

jenny rova

VIKTORIA BINSCHTOK

Centrándose en sus significados en constante evolución, sus implicaciones culturales y sociopolíticas, Binschtok analiza cómo los símbolos digitales, como los emojis, enriquecen los mensajes, moldean el discurso público o propician la censura política. La serie destaca el encanto sencillo y fácil de usar de los emojis, al tiempo que enfatiza cómo estos moldean y fomentan conversaciones complejas a través del intercambio, la secuenciación y el contexto, impulsando así la solidaridad y el activismo. Un ejemplo es el emoji de la sandía, que surgió como símbolo de solidaridad con Palestina. De manera similar, el emoji del racimo de uvas facilita sutilmente

ÉAMONN FREEL X LYNSKI

En «En el futuro, todo será tendencia durante 15 segundos», del artista visual Éamonn Freel (n. 1987) y la maquilladora Lynski (n. 1991), se explora la fugacidad de las tendencias de belleza digitales. Rostros etéreos con reflejos brillantes e intrincados elementos 3D se transforman rápidamente, creando una experiencia visual atractiva a la par que inquietante. La obra de vídeo refleja los ciclos acelerados de las tendencias en la era digital, cuya estética emerge y se desvanece en cuestión de semanas, impulsada por algoritmos [→P.7] y la constante necesidad de novedad de las comunidades globales en línea. En el centro de la obra reside la pertenencia performativa a través del material gráfico compartido. La cultura de la belleza digital se debate entre el deseo de ajustarse a los ideales globalizados y la necesidad simultánea de destacar mediante tendencias de nicho. Freel y Lynski imaginan un ciclo distópico donde los individuos adoptan y descartan tendencias sin cesar, representándolas en tiempo real mediante filtros de realidad aumentada (RA) [→P.7]. Su obra reflexiona sobre la difuminación de los límites entre identidad, representación y los sistemas capitalistas que perpetúan este ciclo.

joiri minaya

dominicanwomengooglesearch, Joiri Minaya (n. 1990) profundiza en su exploración de la identidad caribeña, los estereotipos y la política del cuerpo. La instalación presenta fragmentos recortados de partes del cuerpo que se interpretan como femeninas, con telas tropicales estilizadas en collage en el reverso. Obtenidas de una búsqueda en Google de «mujeres dominicanas», las imágenes revelan representaciones estereotipadas que se alinean con fantasías de lo extranjero: un sesgo [→P.6] perpetuado y reforzado por los algoritmos de los buscadores en línea. Fragmentadas, ampliadas y suspendidas del techo, las imágenes de baja resolución resultan a la vez lúdicas e inquietantes, pues nos recuerdan que la identidad nunca es fija, sino que se define por la perspectiva y las posiciones de poder social. Al reapropiarse de patrones tropicales, la obra de Minaya expone cómo dichos motivos se adaptan a las fantasías coloniales occidentales que exotizan y objetivan a las mujeres caribeñas. La artista desafía el legado colonial que persiste en nuestra mirada y nuestros sistemas tecnológicos, y que continúa hasta el día de hoy estigmatizando el cuerpo de la mujer negra.

MICHAEL MANDIBERG

En Taking Stock, Michael Mandiberg (n. 1977) examina millones de fotografías de archivo mediante aprendizaje automático [→P.7]. Estas imágenes comerciales y genéricas, de uso común en publicidad y marketing, perpetúan prejuicios sociales [→P.6] a través de representaciones estereotipadas. Dado que estas imágenes constituyen la base de los conjuntos de datos [→P.7] empleados para entrenar generadores de imágenes de inteligencia artificial (IA) [→P.7], los sistemas de IA heredan sus prejuicios inherentes. Mediante software de aprendizaje automático personalizado y análisis de palabras clave, Mandiberg disecciona más de 130 millones de imágenes de archivo, creando secuencias de vídeo hipnóticas y fotografías con múltiples capas que revelan patrones de uniformidad visual en los conjuntos de datos: infinitas variaciones de jóvenes blancas sonrientes, hombres de negocios seguros de sí mismos con traje y poses exageradas, pero omnipresentes, ante la cámara. A medida que estas imágenes pasan fugazmente, forman un retrato fantasmal que evoca cómo la cultura visual está plagada de una ideología capitalista que moldea nuestras percepciones de la normalidad, perpetúa los prejuicios y contribuye a amplificar y reforzar las desigualdades sociales sistémicas.

simone niquille

El proyecto Chair Motion Studies se inspira en la silla Bertil, un producto de IKEA que marcó el paso de la fotografía a las imágenes generadas por ordenador (CGI) [→P.7] en el catálogo de la empresa. Presentada discretamente en 2006, su imagen sintética se integró a la perfección con las fotografías tomadas con cámaras, señalando una transformación silenciosa pero crucial. Para 2014, el 75 % de las imágenes de IKEA eran CGI. El poder de la silla Bertil reside no en el espectáculo, sino en su capacidad para pasar desapercibida, revelando el atractivo de una cotidianidad fotorrealista al ser reconfigurada por debajo del umbral de lo visible. Simone C. Niquille (*1987) imagina una evolución especulativa de la silla virtual, entrenada para moverse mediante procesos de aprendizaje automático que impulsan la inteligencia artificial (IA) [→P.6] en contextos comerciales. Sus imágenes generadas por computadora evocan los estudios de movimiento de Lillian y Frank Gilbreth, pioneros de la eficiencia y la estandarización en la gestión industrial, quienes desarrollaron una técnica para registrar el movimiento del cuerpo mediante fotografía de larga exposición a principios del siglo XX. Aquí, la silla se convierte en una meditación sobre la tecnología, el trabajo y las fuerzas invisibles que dan forma tanto a la producción virtual como a la física.

HITO STEYERL

En su videoinstalación Strike, Hito Steyerl (n. 1966) aparece ante un monitor, armada con un martillo y un cincel. Con un único y preciso golpe en el centro inferior de la pantalla, la rompe, provocando la aparición de una explosión de píxeles multicolores. El monitor queda inutilizado, inoperativo por el sencillo pero poderoso gesto de resistencia de la artista contra los sistemas de (auto)representación, vigilancia y radiodifusión. La obra revela sutilmente las infraestructuras materiales y políticas que subyacen a la pantalla en blanco, sirviendo como un poderoso recordatorio de nuestra capacidad como espectadores para resistir los sistemas de imagen que dominan nuestros televisores y pantallas de ordenador. Al concluir la pieza, la pantalla se desvanece brevemente a negro antes de volver a reproducirse en bucle. En ese momento, la fisicalidad del monitor en el espacio expositivo parece fusionarse con las imágenes digitales, invitando a los espectadores a reconocer las estructuras ocultas de la representación visual que tenemos ante nosotros. Steyerl, metafóricamente, pasa el martillo y el cincel al público, transformando el breve vídeo en un llamado constante a la acción, instándonos a recuperar el control y resistir el poder de las imágenes.

DINA KELBERMAN

Para The Wave, Dina Kelberman (n. 1979) recopiló miles de videos ASMR de esponjas de la plataforma de redes sociales Instagram. El ASMR (Respuesta Sensorial Meridiana Autónoma), un fenómeno en auge en internet, se puede describir como una sensación de hormigueo y relajación provocada por sonidos suaves, caricias delicadas o imágenes relajantes. Kelberman centró su búsqueda en tomas en primera persona (desde el punto de vista del sujeto del video) de manos enguantadas realizando actos íntimos con esponjas espumosas: apretándolas, enjabonándolas y rasgándolas. Kelberman transforma estos videos en una instalación inmersiva, organizándolos desde lo más relajante hasta lo más intenso y proyectándolos a gran escala en paredes opuestas. La cacofonía resultante de sonidos e imágenes amplifica la experiencia ASMR original, revelando la naturaleza paradójica de este contenido: íntimo e invasivo a la vez, personal y público. Mediante esta presentación, Kelberman expone las complejas tensiones que subyacen a este fenómeno audiovisual que cautiva nuestros sentidos a través de su atractivo estético, sus paisajes sonoros y su repetición hipnótica.

«Una vida propia» es una serie de obras experimentales en línea, fondos de pantalla a gran escala e instalaciones de Sara Bezovšek (n. 1993), que exploran cómo las películas populares se transforman en memes, GIF y remixes. Centrándose en películas de gran relevancia cultural como Matrix, American Psycho y El Señor de los Anillos, Bezovšek analiza cómo las escenas se convierten en fragmentos meméticos que adquieren vida propia al salir de su contexto original y circular en línea. Impulsadas por el trabajo creativo gratuito y la dinámica de las redes, las imágenes no solo adquieren nuevos significados, sino que también se reutilizan fácilmente para diversas agendas sociales y políticas. Mientras que los memes de American Psycho critican y celebran la masculinidad tóxica, El Señor de los Anillos se utiliza para apoyar ideologías tanto de derecha como de izquierda, por ejemplo. Al organizar el material recopilado de plataformas de redes sociales y foros en línea poco conocidos según la trama original de las películas, Bezovšek destaca la difusión del contenido memético y su capacidad para fusionar entretenimiento, ideologías y política.

JON RAFMAN

El tríptico de vídeo Egregore de Jon Rafman (n. 1981) explora las ansiedades y deseos colectivos de la web para revelar escenas perturbadoras de incomodidad surrealista y cotidiana. En las tradiciones esotéricas, un egregore representa una entidad espiritual compartida. Encarna la psique colectiva de un grupo y está moldeada por sus deseos, creencias y acciones. Rafman explora este concepto animando fotografías apropiadas de internet mediante herramientas digitales, haciendo referencia y expandiendo el mundo oculto de las llamadas «imágenes malditas». Estas imágenes sin autor muestran objetos comunes en contextos inquietantes, incluso impensables, o representan cuerpos humanos desplazados y enmascarados. Las perspectivas distorsionadas, los fallos digitales y los errores ópticos contribuyen a su efecto misterioso. Las «imágenes malditas» atraen y repelen simultáneamente, incitando al espectador a una búsqueda infructuosa de significado y contexto. Ya no son meros reflejos del inconsciente colectivo que Rafman evoca, sino que trascienden su condición representacional y se convierten en realidades en sí mismas.

ELLIE WYATT

En su videoinstalación cherrypicker, Ellie Wyatt (n. 1992) explora cómo las imágenes fotográficas moldean los sistemas de creencias. Mediante una rápida secuencia de imágenes de baja resolución, acompañadas de círculos y flechas rojas extraídas de sitios web de noticias y foros de discusión —desde avistamientos de ovnis y apariciones borrosas de monstruos hasta fotos del alunizaje—, Wyatt examina los fundamentos de las teorías de la conspiración, los mitos apocalípticos y los cultos a las celebridades. La obra muestra cómo las imágenes borrosas y manipuladas dirigen la atención del espectador a través de elementos gráficos aparentemente científicos, creando espacios para «verdades alternativas» debido a su baja calidad y a la inestabilidad de su interpretación. cherrypicker lleva al espectador a un viaje hipnótico por los extraños reinos de las teorías de los Illuminati, los avistamientos de fantasmas, las anomalías de Google Street View y las civilizaciones alienígenas. Al reunir estas imágenes, Wyatt revela cómo las IMÁGENES EN RED [→P.7], combinadas con las asociaciones tradicionales de la supuesta verdad fotográfica, pueden ser explotadas para difundir y amplificar narrativas falsas.

NOURA TAFECHE

En Annihilation Core Inherited Lore ٩(͡๏̯͡๏)۶, Noura Tafeche (n. 1987) investiga cómo la estética de la ternura se instrumentaliza en línea para difundir propaganda militar y violencia. Basándose en cuatro años de investigación y un archivo de más de 30.000 archivos, Tafeche revela cómo los peluches de colores pastel, el fan art de manga y los ojos de cierva pueden convertirse en vehículos para mensajes bélicos, agresión sexualizada, fetichización de armas e ideologías de extrema derecha. Tafeche traza un mapa de las formas estéticas, desde el «kawaii» (un fenómeno cultural japonés que enfatiza la ternura y la inocencia) hasta los videojuegos, TikTok y el fan art, ilustrando cómo el contenido viral, como los memes o los retos de baile en línea, puede promover la misoginia, el supremacismo y el racismo. La instalación combina un entorno inmersivo con acceso interactivo al archivo de investigación de la artista, exponiendo cómo las formas aparentemente más inocentes de la cultura visual dominante pueden ser infiltradas por propaganda dañina.

Mapping-the-Lure-of-the-Image Descarga

UNA REFLEXION SOBRE QUE ES LA BASURA,
MIRANDO BASURA DENTRO DEL ENTORNO
METIENDOLE BASURA, CAPITALISMO, SOCIEDAD DE MASAS
CONSUMISMO CON QUE INTENCIONES, SOLO PLACER Y BASURA
BASURA INTERNET, NO SE PUEDE NI TOCAR, SE OLVIDA Y SE PASA LAS MODAS.

DETRITUS DIGITAL YA NO

REFERENTES

Civilization: The Way We Live NoW

Civilización: Nuestra forma de vida actual es una importante exposición que presenta la obra de 100 de los mejores fotógrafos del mundo. Aborda e ilumina aspectos clave de nuestra civilización del siglo XXI, cada vez más globalizada. Subraya que la civilización contemporánea es una empresa colectiva sumamente compleja. Nunca antes en la historia de la humanidad tantas personas habían estado tan interconectadas y dependían tanto unas de otras. En la ciencia y el arte, en el trabajo y el ocio, vivimos cada vez más la vida colectiva. Los Juegos Olímpicos, el gigantesco Airbus, el CERN, la resonancia magnética, el submarino Trident, Wikipedia, los Premios Óscar, la Estación Espacial Internacional, el Viagra, el ordenador portátil y el teléfono inteligente… Independientemente de nuestra opinión sobre ellos, ninguno de estos complejos fenómenos habría sido posible sin esfuerzos coordinados de forma excepcional por parte de personas altamente cualificadas, capacitadas, motivadas y conectadas.

Photography Is Magic

La fotografía es mágica reúne ideas actuales sobre el uso de la fotografía como un medio invaluable en el mundo del arte contemporáneo. Editada y con un ensayo de Charlotte Cotton, esta publicación crítica presenta a más de ochenta artistas, todos ellos comprometidos con ideas experimentales en torno a la práctica fotográfica, en un contexto donde el panorama contemporáneo se está transformando mediante técnicas digitales. Se nos muestra el alcance de las posibilidades fotográficas dentro del proceso creativo contemporáneo. Desde Michele Abeles y Walead Beshty hasta Daniel Gordon y Matt Lipps, Cotton ha seleccionado artistas que están replanteando conscientemente las prácticas fotográficas utilizando técnicas mixtas, apropiación y una reinterpretación de los procesos analógicos. La fotografía es mágica ofrece al lector una experiencia física cautivadora y está dirigida a jóvenes aficionados a la fotografía, estudiantes y cualquier persona interesada en profundizar en la fotografía contemporánea.

Paul Pfeiffer

se caracteriza por su análisis en profundidad de la naturaleza del espectáculo, la identidad y los intrincados mecanismos empleados para la construcción de imágenes en la cultura contemporánea

En el Guggenheim, las obras expuestas también reimaginan eventos icónicos, como los combates de boxeo de Muhammad Ali , en su trilogía ‘La cuenta larga (Estruendo en la jungla)’. Aquí, el ring está vacío; los cuerpos de los boxeadores desaparecen, y el foco se traslada al público enfervorizado que les rodea. Esta ausencia pone de relieve la dimensión ritual y casi religiosa de los espectáculos deportivos, exponiendo a los espectadores como parte del fenómeno que están adorando.

La fascinación de Pfeiffer por la figura pública como objeto de veneración se refleja en obras como la serie escultórica dedicada a Justin Bieber , que con la colaboración de varios artesanos, la ha convertido en un santo contemporáneo,

Es una interpelación directa a cómo interactuamos con las imágenes que consumimos a diario, a cómo los medios dan forma a nuestra identidad y hasta qué punto somos participantes activos o pasivos en este proceso.

En ‘Los cuatro jinetes del apocalipsis’, Pfeiffer borra digitalmente las identidades de jugadores de baloncesto, convirtiéndolos en figuras anónimas que parecen mártires religiosos y que subrayan como el culto a los héroes del deporte se convierte en una devoción colectiva.

«TOTAL RECALL» de Gretchen Bender

“Total Recall” (1987) de Gretchen Bender es una obra clave para entender cómo se construye la identidad a través del bombardeo mediático, algo que conecta de frente con lo que vienes trabajando: ídolos, espectáculo, industria cultural, postfotografía, basura digital.
Es una experiencia de exceso, “overload”, donde en vez de tener control sobre lo que miras, eres arrojado dentro de la máquina mediática.

HITO STEYERL

ÉAMONN FREEL X LYNSKI

Sara Cwynar

Glass Life (2021)
Sara Cwynar usa su computadora y varios arreglos de estudio para darle sentido a su archivo visual… y al mundo exterior. Imágenes de comida, arte, políticos, modelos de Instagram y otros compiten por nuestra atención en un vertiginoso recorrido por nuestro consumista mundo visual.

141 Pictures of Sophie 1,2,3 (2019)

expuesta en la sala contigua a Cover Girl , desentraña las reglas que estructuran las sesiones fotográficas de moda online. Una pelirroja menuda, de atractivo discreto, es fotografiada tres veces en el estudio de Cwynar sobre un fondo con un patrón de cuadrícula: en la primera imagen, de frente; en la siguiente, ligeramente inclinada hacia la izquierda; y en la tercera, de espaldas al espectador. La modelo, Sophie, es una popular modelo web, y la configuración en tres partes refleja la forma en que se suele fotografiar a las modelos para la venta de ropa online, con un giro de tres puntos que muestra la parte delantera, lateral y trasera de la prenda. Cwynar ha hecho visible este detalle superponiendo, sobre los retratos de estudio a gran escala, capas de fotografías más pequeñas de Sophie en posiciones idénticas, impresas de páginas web (principalmente de Ssense, una plataforma de moda, editorial y comercio electrónico de alta gama) y recortadas. Luego, Cwynar volvió a fotografiar el conjunto, otorgando a la composición final un aire de profesionalismo y amateurismo a la vez: los trozos de cinta adhesiva visibles, los cortes de tijera imperfectos y ligeramente irregulares, y la calidad artesanal y cariñosa del arreglo —como la que se podría ver en un tablero de inspiración o en la puerta de un casillero— contrastan con el brillo plano de su formato.

Cwynar copia fotografías de comercio electrónico, pero lo hace de forma imperfecta y con un grado intencional de error y excentricidad que las reivindica como propias. Las fotografías nos obligan a confrontar imágenes aparentemente ordinarias, resaltando la disonancia entre la Sophie retratada en el estudio y su elegante gemela digital, que se ha beneficiado de un retoque digital experto y una corrección de color. Como homenaje a la comunidad Photoshop, la obra insinúa el trabajo que implica crear a la Sophie de Ssense, cuya piel luce mucho más luminosa y su cabello rojo carmesí es mucho más brillante que el de la Sophie real, la no digitalizada. La yuxtaposición muestra cómo las antiguas técnicas de retoque fotográfico persisten en línea de formas más nuevas y sutiles, y ofrece una aguda visión de internet como un medio que innova, pero que no inventa por completo. La habilidad de Cwynar para iluminar tanto la electrizante novedad como las continuidades y regresiones de la cultura web es digna de elogio y la convierte en una de las fotógrafas más cautivadoras de la generación millennial.

Si 141 Pictures of Sophie demuestra cómo internet da una nueva forma a viejas políticas, objetivando a las mujeres y distorsionando la realidad, su obra vecina

la turbo avedon (artista IA)

AMERICAN REFLEX

American Reflexxx (2015), que se desarrolla a lo largo de quince minutos estremecedores, es una performance y experimento social desgarrador de la autodenominada «artista de la realidad» Signe Pierce, realizada en colaboración con la directora Alli Coates. El video emplea técnicas cinematográficas experimentales y tácticas de performance de larga duración que llevan la arraigada cultura de la violencia estadounidense a su extremo lógico. Pierce aparece en la obra como un cíborg transhumanista: vestido azul ajustado, tacones verde lima y máscara reflectante. A medida que la multitud en Carolina del Sur se vuelve más violenta y enfurecida por la opacidad del rostro de Pierce, la película intensifica las tensiones sociales, las fobias de género y la mentalidad de masas de la cultura estadounidense.

MOLLY SODA

you say tomato, i say tomato girl

Esta obra me generó sentimientos complejos a pesar de su aparente sencillez conceptual. Como dice el audio de TikTok: «Ser mujer es actuar». Este es un tema ya muy trillado, como el de John Berger: «Una mujer debe observarse continuamente. Casi siempre la acompaña su propia imagen». O el ensayo fundamental de Laura Mulvey, «Placer visual y cine narrativo».

Durante la transmisión en vivo, alguien comentó: “Quince años después y sigue haciendo lo mismo”. Esta actuación no solo evoca el ya conocido tema de la mujer que se observa a sí misma siendo observada y la chica en línea como recipiente de adoración y burla, sino también mi propia y compleja relación con seguir involucrándome en ese ámbito. No soy necesariamente valiente ni justa por bailar en vivo y someterme a la mirada de desconocidos en línea. Al contrario, soy obsesiva en mi necesidad de recopilar datos, presentarlos y humillarme en el proceso, tanto frente a “fans” como a desconocidos.

Había algo en esta actuación que me pareció regresivo. Me sentí incómoda al obtener un pequeño placer de ser observada. Otra parte de mí se avergonzaba de mi incapacidad para “envejecer con gracia”: seguir bailando para la cámara veinte años después de que mi primera selfie llegara a internet. ¿No sería más elegante pasar a estar detrás de la cámara o, mejor aún, abandonar internet por completo, como Jennicam, y convertirme en una seductora envuelta en mi misterio? En cambio, sigo echando leña al fuego, al igual que alguien como Trisha Paytas, aunque con mucha menos notoriedad y dinero.

PETRA CORTRIGHT

VVEBCAM is a portrait of the artist as a computer user whose primary mode of existence is recording and being watched. Departing from the direct-to-camera address typical of early video art and the ubiquitous selfies of today’s social media, VVEBCAM features Cortright sitting impassively in front of a webcam as she manipulates the clip art moving around her face. The video was made for YouTube, where the artist initially exploited the comments section of the website as much as the video itself, using keywords to attract viewers searching for erotic or offensive content and sabotaging their expectations.